In der neuesten „Peter Pan“-Adaption ist keine Magie mehr übrig

Es gibt in jeder unserer Kindheit einen Moment, in dem wir aufhören, davon zu träumen, von zu Hause wegzulaufen, und uns wünschen, wir müssten es nicht tun. JM Barries Roman „Peter und Wendy“ aus dem Jahr 1911 handelt von diesem letzten Moment in seiner ganzen Bittersüße. Beflügelt von Feenstaub und Kameradschaft trifft Wendy Darling auf die Figuren ihrer Fantasie: Piraten und Indianer, Meerjungfrauen und Feen. Doch Feen ist eine Welt voller trügerischer Freuden. Frei von Verantwortung, also frei von Zuhause, Familie, Zeit. Es ist ein weiser Mythos.

David Lowerys Disney+-Film „Peter Pan & Wendy“ ist nicht so weise, auch weil er Geschlechtsunterschiede beseitigt. Es ergibt keinen Sinn, dass das gleichnamige Paar Vater und Mutter für die Bande bunt zusammengewürfelter, verlorener Jungen (von denen einige Mädchen sind, die alle nicht zu unterscheiden sind) spielen wird.

Ross Douthat schrieb kürzlich darüber, wie falsch es sei zu glauben, dass Barbie und Ken einander nicht brauchten, und dass selbstdefinierte Isolation eine schlechte Definition von Erwachsensein sei. Doch in dieser Geschichte sinniert die egalitäre Wendy, dass sie wahrscheinlich keine Kinder will, und ihre Mutter versichert ihr, dass ihr Wert in ihrer Führung liege und nicht in ihrer zukünftigen Mutterschaft.

Die Hauptsünde von Petrus besteht nicht darin, dass er unreif und herzlos ist, sondern darin, dass er die List und Bitterkeit eines Erwachsenen unter dem Gesicht eines Jungen verbirgt. Zwischen Wendys rebellischen Träumen von beruflichem Erfolg und Peters zynischer Geheimniskrämerei entsteht eine verwässerte Vision sowohl des Erwachsenen- als auch der Kindheit.

Vermutlich sehen die am neuen Film Beteiligten diese Veränderungen als eine Dekonstruktion des kolonialistischen Ethos der Edwardianischen Geschichte. Aber Barrie liebte es, wie Charles Dickens, Autoritätspersonen aufzuspießen. Denken Sie an Mr. Darlings Sorge um seinen Neufundländer-Hund Nana. Er „hatte manchmal das Gefühl, dass sie ihn nicht bewunderte.“

Die Linie besticht durch ihre komische Einfachheit. In seiner Untertreibung macht es ihn trotz seiner Fehler ziemlich bemitleidenswert und liebenswert. Kapitän Hook, der eine bekannte öffentliche Schule besuchte, ist besessen von guter Form und irgendwann wird er aufgrund seiner Paranoia eifersüchtig auf Smee: „Hatte der Bootsmann eine gute Form, ohne es zu wissen, welche ist die beste von allen?“ ”

Eine solche satirische Geschicklichkeit übersteigt die Fähigkeiten von Filmen, die von Unternehmensausschüssen zusammengestellt werden. Ungeachtet aller ihm von Disney auferlegten Fehler scheint Lowery selbst, wie seine jüngste Adaption von „The Green Knight“ zeigt, die sich so stark von seiner fantastischen, skurrilen Erzählung „Pete's Dragon“ aus dem Jahr 2016 unterscheidet, das Gefühl zu haben, er sei zu alt für Märchen. In „Peter Pan & Wendy“ gibt es kein Gefühl von Staunen oder Überraschung, keine Sehnsucht, kein Geheimnis.

Das Wissen des Publikums über den Stoff wird in einem solchen Maße vorausgesetzt, dass die Geschichte über die Handlungspunkte hinausrast – etwa das Erlernen des Fliegens, warum Peters Schatten in der Kinderschublade liegt, warum ein Krokodil wie eine Uhr tickt usw. –, um lange Monologe damit zu verbringen, es zu versuchen um Captain Hooks Kindheitstrauma zu rekonstruieren. „Der Körper behält die Rechnung, Käpt’n!“ In einem dieser Momente warf ich ein.

Steven Spielberg (rechts) am Set seines Films „The Fabelmans“ aus dem Jahr 2022. (IMDB)

Wunder sind heutzutage im Kino Mangelware. An die Stelle der Transzendenz haben wir das politische Erwachen gesetzt. Wir haben die Unschuld durch Sentimentalität ersetzt; und die Ehrfurcht haben wir durch Überzeugungskraft ersetzt. In einer solchen Welt ist es unmöglich, Märchen zu verstehen, selbst die skurrilsten und unrealistischsten Formen. Törichter als unsere Vorfahren reißen wir die Schleier der Metapher weg und bilden uns ein, wir hätten die Realität entlarvt, obwohl wir bei der Enthüllung tatsächlich etwas Wichtiges verlieren. Fotorealistische Löwen vermitteln einfach nicht die gleiche Emotion, wenn sie ein Shakespeare-Drama nachspielen.

Denken Sie an den großen filmischen Dichter des Staunens. Steven Spielbergs letzter großer Ausflug in das Land der Launen erfolgte in „KI: Künstliche Intelligenz“, einem Patchwork-Film voller tiefer Fantasie und Gefühl, der sich selbst ein philosophisches Loch gräbt, aus dem er nicht einmal annähernd über die Mittel verfügt, aus denen er entkommen kann. Spielberg stellte in dieser „Pinocchio“-artigen Geschichte die richtigen Fragen: Was macht uns zu Menschen? Was macht die Menschheit wertvoll? Was schulden wir denen, die wir erschaffen? Was schulden wir denen, die unter unserer Macht stehen? Sind wir einfach nur fleischige Maschinen, die von gefühllosen Gottheiten konstruiert wurden?

Auch hier führten Spielbergs Emotionen durch die Linse der Geschichte in die richtige Richtung. Der menschliche Wert liegt in unserer Einzigartigkeit, dem Abdruck von etwas Größerem als uns, zu dem wir aus Liebe fliehen. Um mit diesen höheren Wesen versöhnt zu werden, müssen wir ihnen ähnlicher werden – realer, als wir sind.

Doch hier treffen wir auf Spielberg aus den frühen 2000er-Jahren, der das Gefühl hat, den Märchen entwachsen zu sein. Die höheren Wesen sind außerirdische Roboter, in Glas gefangene Erinnerungen, Phantomauferstehungen, die genau das Gleiche tun wie KI-Spielzeuge: uns vorlügen, dass wir geliebt werden. Ähnlich wie „Interstellar“ wird es zu einem Ouroboros-Märchen, das der Protagonist selbst erschaffen hat, was CS Lewis als junger Atheist „durch Silber gehauchte Lügen“ nannte. Es gibt keinen Gott in der Arche, keine Brücke des Glaubens, keinen Vater, der uns auffängt und uns bei unserem Namen ruft. Nur Kristallschädel und Daten.

Kein Wunder, dass Spielberg vom Rand zurückwich. Er hat die großen Fragen nun für die Kleinen verworfen: Welche politischen Probleme führen zur Jugendkriminalität? Warum haben sich meine Eltern scheiden lassen? Ich übertreibe natürlich. „West Side Story“ und „The Fablemans“ sind sauber ausgearbeitet, aber ihre scheinbar erwachsenen Anliegen verschleiern die Tatsache, dass Spielbergs frühe Werke noch tiefer als das Drama vordrangen, nämlich in das Reich der Mythen.

Seine neuen Arbeiten sind schlichter und schlichter, ausgefeilter und sorgfältiger. Der einzige Moment in „The Fabelmans“, in dem es ins Reich des Bizarren und Unerwarteten abdriftet, ist die Ankunft einer überlebensgroßen Figur, des größten amerikanischen Mythenschöpfers: John Ford. Wer weiß, was er als nächstes tun wird? In einer alternativen Version des Films klettert Ford in einen Doppeldecker und fliegt mit Sammy im Schlepptau ins Monument Valley. Ich wette, Ford hätte bei einer ziemlich guten Version von „Peter Pan“ Regie führen können.

Wir haben Spielbergs Schlussfolgerungen akzeptiert und aufgehört, ihm Fragen zu stellen. Aber vielleicht werden wir eines Tages „alt genug, um wieder mit dem Lesen von Märchen anzufangen“. Zumindest könnten wir das tun, wenn wir uns „Peter Pan“ noch einmal ansehen. Die Version von 2003.